Monsieur Jacques Debat, ancien Maître de Cérémonie du Paradis Latin à Paris, nous fera l’honneur d’animer notre soirée. Celle-ci sera ponctuée de performances d’artistes. Sergio Basse, Cartooniste, capturera des souvenirs de cette soirée avec humour et créativité à travers ses dessins. Nous serons accompagnés en musique avec le T. Time Duo, Lucio Bergamasco au piano, ainsi que la présence de Franck Taschini, saxophoniste monégasque qui nous entraînera sur des notes de jazz.
Sixtine, auteur-compositeur-interprète, nous interprètera 2 de ses compositions ainsi qu’une reprise.
Nous aurons également la présence de Philippe Anno, écrivain. Nous pouvons retrouver ses œuvres comme ” de la poésie à la chanson” ou encore ” et si c’était vous ?”
- Aurore Lanteri :
Aurore Lanteri est une artiste plasticienne, né le 10 avril 1986 à Nice. Son itinéraire artistique la positionne comme une figure marquante de la scène artistique française. Après des études à l’école supérieure des Arts Appliqués Duperré à Paris, Aurore poursuit son parcours à l’école supérieure des Arts décoratifs de Strasbourg. C’est là qu’elle affine sa maîtrise des arts plastiques culminant avec l’obtention de son DNSEP Art en 2012. Son œuvre, ancrée dans les médiums de la peinture, de la sculpture, du collage, et du dessin, explore les profondeurs de l’expérience humaine, capturant avec sensibilité les émotions complexes et les réalités contrastées de notre époque. Elle utilise tout particulièrement la cire d’abeille qui joue un rôle central dans ses sculptures et peintures.
Aurore Lanteri a participé sur la scène artistique à travers des expositions de renom, tant nationales qu’internationales, comme l’arc-en-ciel à Grasse et la Biennale de Florence. Sa résidence au musée Picasso d’Antibes en 2023, démontre sa capacité à dialoguer avec de grandes figures de l’art tout en affirmant sa propre voie artistique.
Durant l’été 2023, elle participe au 8ème Grand Prix d’Art Contemporain et à son exposition organisée par la Passepartout Unconventional Gallery à l’Unahotels Expo Fiera Milano à Milan en Italie et obtient une mention spéciale.
En 2024, elle réalise le trophée « La Gardienne du Paradis » remis au réalisateur Henri de Gerlache pour son Film « Sœurs de combat » lors du Festival International du Film Écologique et Social à Cannes.
Parmi ces expositions à venir, nous pouvons la retrouver à Paris pour la Vivienne Art Galerie ou encore à la Biennale de Venise.
- Patrick Moya :
Patrick Moya, né en 1955 à Troyes, est un artiste contemporain français reconnu pour son travail multidisciplinaire, mêlant peinture, sculpture, vidéo et arts numériques. Il est particulièrement connu pour son utilisation des nouvelles technologies, comme les mondes virtuels et l’art numérique pour pouvoir explorer les frontières entre l’art, l’identité et l’univers digital. Il utilise des couleurs vives, de formes ludiques. L’humour et l’autodérision joue également un rôle central dans son art.
Il grandit à Nice, où il étudie à la villa Arson, une école nationale supérieure d’art. Il se forme d’abord à la peinture classique avant de s’intéresser au design graphique et à l’art numérique dans les années 1980. C’est à cette époque qu’il développe un style singulier en intégrant l’autoportrait et l’auto-référence dans son œuvre, une démarche qui deviendra sa spécificité.
Moya se fait connaître à travers de nombreuses expositions en France et à l’international. Il travaille avec plusieurs galeries et commence à développer son concept de l’auto référence, où il intègre sa propre image et son nom dans ses créations.
Il devient l’un des premiers artistes à utiliser les mondes virtuels dans son art. Il crée d’ailleurs « l’île Moya », une véritable galerie interactive en 3D qui permet aux visiteurs d’explorer son univers artistique en temps réel.
En 2021, il expose à Taiwan de grandes sculptures en acier.
En 2023, nous le retrouvons en collaboration avec de grandes marques comme Dior créant la collection Printemps-Eté de Baby Dior.
Il a participé également à plusieurs expositions notamment « Moya, le cabinet de curiosité », à la galerie AFM « L’atelier Franck Michel » ; « Moya et le village global » à la chapelle des Pénitents Blancs d’Aspremont ; « Moya, maître des avatars » au château musée Edgar Mélik à Cabriès ou encore « Moya le petit céramiste » au musée de la céramique TERRA ROSSA à Salernes. TERRA ROSSA à Salernes.
- Stéphane Cipre :
Stéphane Cipre est un artiste sculpteur contemporain français, né à Nice en 1968. Il est particulièrement reconnu pour ses œuvres qui se situent à la croisée de l’art, du design et de la typographie. Ses sculptures allient modernité, abstraction et minimalisme, avec un sens aigu de la composition et des formes épurées.
Il commence à étudie à la Villa Thiol et l’Ecole du Louvre en cours du soir. Naturellement, comme une révélation, l’art devient un moyen profond et sensible d’expression.
Son travail est rapidement marqué par une esthétique où les lettres et les mots prennent une importance primordiale. En effet, l’artiste est connu pour ses sculptures en métal qui jouent avec les formes et les volumes des lettres de l’alphabet, souvent transformées en œuvres abstraites ou figuratives. Il aime utiliser l’acier, et d’autres matériaux industriels pour exprimer sa vision artistique.
Ces œuvres se concentrant sur des thèmes liés à la société contemporaine, à la culture et à l’identité, tout en intégrant des références à l’histoire de l’art et à la vie quotidienne. Les lettres qu’ils sculptent sont souvent porteuses de messages de symboles qui invitent à la réflexion. Il s’inspire également du pop art et du Street art, en reprenant certains codes visuels de ces mouvements. Il fusionne des références culturelles et des mots pour créer des sculptures aussi esthétiques qu’énigmatiques.
Stéphane Cipre a exposé ses œuvres dans de nombreuses galeries et musées à travers le monde, notamment en France, en Suisse, à Monaco et aux États-Unis. C’est sculptures sont très appréciés par les collectionneurs et son style unique la fait connaître sur la scène internationale. Il a également réalisé plusieurs commandes publiques, et certaines de ses œuvres monumentales sont installées dans des espaces urbains.
Parmi ces expositions marquantes, on peut citer celle de la galerie Bartoux à Paris et à New York, ainsi que sa participation à plusieurs foires internationales d’art contemporain.
En 2023, il a participé au Cannes Yachting Festival, à Nice pour le Jazz festival ou encore à la soirée de Gala Cham’seed.
- Borgheresi – Simonnet :
Alain Borgheresi a suivi, de 1978 et 1980, une formation artistique à ENAD (Ecole Nationale supérieure d’Art de Nice – Villa Arson) ce qui lui a permis de développer son sens artistique et d’affiner ses compétences aux multiples techniques du dessin, de la peinture et de la sculpture.
Éric Simonnet, architecte d’Intérieur C.F.A.I, a également suivi une formation artistique à l’école Boulle à Paris. Il a obtenu un BTS Architecture d’Intérieure ainsi qu’un D.S.A.A avec mention. En 1998, il rentre dans l’agence d’architecture intérieure Pierre-Yves Rochon, à Paris.
Tous deux issus d’une formation qui attrait à l’art, ils se rencontrent par le biais de leurs travaux respectifs dans le même secteur à Monaco. Une amitié se crée entre les deux hommes qui se découvrent les mêmes goûts artistiques. Ils décident de se retrouver régulièrement pour avoir le plaisir de créer ensemble. Chacun de son côté, ils expérimentent, échangent, comparent et laissent même l’autre intervenir sur leurs peintures.
Puis, ils ont l’idée de réaliser des œuvres à 4 mains. Depuis, ils se nomment « CBS », le Collectif Borgheresi – Simonnet. Souhaitant s’exprimer sans contrainte, ils laissent libre court à leurs créativités au travers d’œuvres mélangeant diverses techniques telles que le dessin, le collage ou encore la peinture.
Pour choisir un thème, ils s’inspirent de l’architecture de Monaco, de Barcelone ou même encore celle de New-York. Ils puisent également leurs inspirations dans des domaines aussi divers que la typographie, le temps, le jeu, et plus récemment le monde du Vin. En jouant avec les lignes et les formes, ils créent des productions atypiques et originales qui offrent au visiteur la possibilité de laisser libre cours à son imagination.
A eux deux, ils remportent plusieurs concours. Alain Borgheresi a gagné de nombreux concours dont « l’affiche du grand prix automobile de Monaco » en 1987, le concours « l’affiche de l’Open de tennis de Monte Carlo » en 1988, ou plus récemment le concours de sculpture pour les 100 ans de la FIFA en 2004. Il devient Directeur de sa société monégasque de menuiserie dénommée « Monabois ». Quant à Eric Simonnet, il remporte plusieurs concours de design : Comité Colbert, le Manège à Bijoux ou encore le Design de la coutellerie de Thiers. En 2002, il s’installe sur la côte d’Azur. Depuis 12 ans, il exerce sa passion à l’Agence ARCHIMED, basée à Monaco, et à récemment développé en parallèle, sa propre société « INSIDE MONACO » spécialisée dans l’Architecture Intérieure de Luxe.
- Coriat :
Né en 1961, Gérard Coriat est un artiste peintre et sculpteur contemporain, connu pour ses œuvres figuratives et son travail avec des matériaux divers. Il s’inscrit dans la lignée des artistes modernes, combinant des techniques traditionnelles et expérimentales pour créer des compositions expressives. Il est particulièrement reconnu pour ses peintures et sculptures. Son style oscille entre l’abstraction et la figuration, souvent avec une utilisation vibrante des couleurs et une texture qui donne une forte présence matérielle à ses œuvres.
Il mélange la peinture à l’huile, l’acrylique et des éléments de collage, créant des œuvres riches en symbolisme et en détails. Ses tableaux sont souvent chargés de mouvements, et il intègre des aspects de la nature humaine, des émotions et des récits personnels. Il s’inspire également de l’art primitif et de l’art brut. Cette influence se ressent dans ses œuvres.
Nous pouvons le retrouver dans deux illustrations poétiques. Un premier recueil « Par la porte des mémoires » où Ughes Yves a élu dix œuvres plastiques de Coriat. Il continue l’ aventure avec « la mémoire des Abîmes » où il propose dix nouvelles œuvres graphiques.
Nous le retrouvons également dans une collection philosophique pour enfants écrite par Nikol-Nicole Abescassis. Coriat met en scène des personnages comme Maxence , Lucie ou Victor, qui par leur biais, suscite une certaine interrogation chez les enfants.
En 2023, nous avons pu apprécier son travail dans des expositions individuelles comme l’exposition à la chapelle des pénitents blanc à Vence, l’exposition à la galerie ECLECTIX également à Vence ou encore à la bibliothèque l’Odyssée à Menton.
- Jean-Michel Pierret :
Né en 1957 à Paris , Jean-Michel Pierret est un artiste contemporain français, principalement connu pour ses œuvres d’art abstrait et son approche innovante de la matière et de la couleur. Diplômé de l’école des Beaux-arts de Nîmes, des Arts Décoratifs de Bruxelles, médaille d’Or de l’institut de décoration Van Derkelen à Bruxelles, Jean-Michel Pierret a exercé
de nombreuses années comme décorateur de plateaux TV pour l’ORTF à Paris, puis pour RFO Martinique et Guyane ou La Réunion. Il réalise aussi des décors pour Miss Réunion . Aujourd’hui, l’artiste peint à temps complet et s’adonne à sa seule passion la peinture, après avoir exposé durant une trentaine d’années à la galerie Volmard de Paris et dans les grandes cités du monde comme New York, Tokyo, Londres , Barcelone et Dubaï.
Il est influencé par le peintre français Bernard Buffet, reconnu internationalement après-guerre, qu’il a par ailleurs rencontré. Très prolixe, il réalise des peintures minimalistes modernes, où les traits noirs aigus jetés librement sur la toile cernent et dynamisent la figuration, qu’animent des pointes de couleurs vives ou fondues. Il se distingue par l’utilisation de textures riches et d’une palette de couleurs audacieuses. Il est également reconnu pour son utilisation innovante de matériaux non conventionnel, tel que le métal, la toile brute et les résines. Ses compositions abstraites jouent avec la lumière et la profondeur ce qui invitent à l’introspection et à la contemplation.
Jean-Michel Pierret reste un acteur majeur de la scène artistique contemporaine, et ses œuvres figurent dans de nombreuses collections privées et publiques.
- Christophe Marty :
Né en 1971, Christophe Marty est un artiste contemporain français, connu pour son travail multidisciplinaires qui s’étend de la peinture à la sculpture. Il a suivit une formation artistique rigoureuse, passant par des instituts reconnus en France. Il a ainsi pu perfectionner sa maîtrise des techniques artistiques . Il a grandit dans un environnement propice à la créativité, ce qui l’a poussé à explorer les arts visuels dès son plus jeune âge. Son œuvres est marquée par une exploration des thèmes de l’humanité, de la mémoire et de la relation avec l’espace.
A la fin de ses études , il a commencé a exposé ses œuvres dans des galeries locales, attirant l’ attention par son style distinctif mêlant abstraction et figuration. Sa spécificité se distingue par l’usage de matériaux variés allant des toiles traditionnelles aux objets récupérés qu’il intègre dans ses œuvres.
Sa pratique artistique est souvent décrite comme une forme de méditation sur le temps et la mémoire, où l’artiste juxtapose des éléments bruts avec des détails délicats. Ses peintures utilisent des couches complexes de couleurs et de textures ce qui permet de transmettre des émotions plus profondes. Dans ses sculptures, Marty explore la forme et l’espace tout en jouant avec les perceptions du spectateur.
Depuis les années 2000, il a présenté ses œuvres dans de nombreuses galeries et musées en France et a l’étranger. Son travail a été salué pour son originalité et sa capacité à susciter une réflexion chez le public. Il a participé à des expositions collectives ainsi qu’a des expositions personnelles dans des lieux prestigieux.
- Daniel Fillod :
Né en 1951 à Châteaurenard, en région Provence-Alpes-Côte d’Azur, Daniel Fillod est un artiste plasticien français. Issus d’un milieu modeste, il est principalement autodidacte, mais il est devenu une figure marquante dans le domaine des arts plastiques, en particulier pour son engagement social et environnemental.
Il s’est fait connaitre pour son travail sur les sculptures monumentales souvent réalisées à partir de matériaux de récupération. Son art est lié aux préoccupations écologiques et humanitaires, cherchant à dénoncer les excès de la société de consommation et à sensibiliser le public aux problèmes environnementaux.
Chimiste de formation, grand voyageur par vocation et nomade de naissance , il a parcouru le monde entier en faisant d’innombrables carnets de croquis.
Cet artiste secoue toutes les règles de la création et nous emporte dans son monde de lumière généreuse. Depuis le moment où il s’est saisit d’un pinceau il a peint puis exposé sur tous les continents.
Daniel Fillod aborde son art à l’image de sa vie, toujours curieux et en partance pour de nouvelles rencontres.
Puis passant d’un volume à l’autre, un beau matin, son pinceau se met à caresser les roches et les pierres : « J’ai eu la révélation du noir et du blanc, l’ombre et la lumière.
Je suis passé du plat à leur volume, c’est comme si je les sculptaient, je suis devenu peintre préhistorique. »
- Gérard Haton-Gauthier :
Né en 1952, à Dijon en Côte d’Or, Gérard Haton-Gauthier vit désormais à Roquebrune-Cap -Martin. Il y travaille depuis 1982. Il est enseignant à l’école d’art plastiques de Menton. Il est aussi artiste de l’U.M.A.M (Union Méditerranéenne pour l’Art moderne).
Gérard Haton-Gauthier est un artiste pluridisciplinaire, conjuguant l’expression picturale et sculpturale empreint de symbolisme. Certains tableaux deviennent sculptures en tôle d’acier. Au fil des années, le noir s’impose dans les différentes représentations: encre de Chine, fusain et pierres noires sur papiers marouflés. Aborder le sujet jusqu’au plus profond de l’âme est l’élément essentiel de sa démarche. Il ne s’inscrit dans aucune tendance ni mode, et ses réalisations son des suites poétiques du moment. Ses rencontres ont permis de réaliser des œuvres sur différents thèmes ce qui montre un certain éclectisme dans ses recherches artistiques. Cette philosophie lui permet d’être au plus près de ses voyages intérieurs et de les partager.
A majorité figurative, effleurant l’abstraction, chaque tableau est un fragment d’histoire vécue ou ressentie. Les techniques sont diverses, les huiles sur toile en passant par les œuvres plus graphiques sur papier, l’œuvre s’enrichit d’éléments sculpturaux. Son travail préliminaire des œuvres est le plus souvent réalisé sur des carnets, ce qui le dirige vers la conception et la réalisation de livres d’artistes. Ces derniers deviennent objets, boîte à secrets, boîte à rêves.
Plusieurs acquisitions ont été faites par les bibliothèques ou musées de Monaco, Nice ou encore Menton.
En 2024, nous pouvons le retrouver dans « Le mois du dessin » qui s’est déroulé sur le site Cap Moderne / Eileen Gray-Le Corbusier au Cap Martin.
- G. Gramm :
Né en 1951, G. Gramm, de son nom complet George Gramm, est un artiste français contemporain connu comme étant peintre et sculpteur. Il se distingue par un style abstrait, mêlant des formes géométriques et des explorations colorimétriques. Sa démarche artistique repose sur une recherche constante d’équilibres entre structure et émotion, combinant les influences de l’abstraction lyrique et de l’art géométrique.
Georges Gramm a suivi une formation artistique classique aux Beaux-Arts, où il a été initié a plusieurs techniques, notamment la peinture et la sculpture. Bien qu’il est commencé sa carrière avec des œuvres figuratives, il s’est progressivement orienté vers l’abstraction, influencé par des artistes tels que Piet Mondrian et Vassily Kandinsky.
Son style est avant tout marqué par l’utilisation de formes géométriques simples ( carrés, cercles, triangles) et de couleurs vives. Ses œuvres abstraites cherchent à traduire des émotions profondes. Outre la peinture, Gramm s’est également tourné vers la sculpture, créant des œuvres tridimensionnelles. Ses sculptures sont souvent en métal ou en matériaux composites, avec des surfaces lisses et polies qui jouent avec la lumière et l’ espace.
G. Gramm a exposé ses œuvres dans de nombreuses galeries en France et à l’étranger, avec des expositions notables à Paris, Londres et New York. Ses travaux font partis de plusieurs institutions dédiées à l’art contemporain et abstrait.
Depuis fin 2021, sur Monaco, il apporte sa touche artistique de montres de luxe personnalisées. Des expositions, toujours à Monaco, sont à l’étude. En 2022, nous avons pu le retrouver en exposition au Carroussel du Louvre, au Metropolitan Art Museum à Tokyo ou encore au Maruartceter a Seoul.
